IL TEMPO È UN CAMALEONTE di Cinzio Gilioli 2020
Ho proposto all’artista e amica Caterina Ciuffetelli di recensire una sua opera che mi ha particolarmente colpito. Ha accettato e di questo la ringrazio. La tavola che ci si presenta davanti dà il senso della densità e della pesantezza, screziata di una geografia indecifrabile e stratificata con materiali diversi, pronta ad accogliere incisioni. Già in questa premessa si ravvisa la metafora del Tempo su cui l’uomo vuole incidere o si illude di farlo, per dire la sua o lasciare traccia di lui come rito apotropaico contro l’oblio. L’illusione non è soltanto la traccia incisa ma anche il tempo, come categoria aleatoria indefinibile, dipendente da altre, senza le quali se ne smarrisce il senso. IL TEMPO È UN CAMALEONTE è il titolo dell’opera dell’autrice. Ma torniamo al suo ultimo lavoro. Si diceva “stratificazione”, che non a caso è un paradigma degli studiosi del tempo: gli archeologi. Il tempo come primo soggetto della stratificazione e gli strati nascondono tracce o le rivelano incidendoli. La tavola è incisa e l’incisione accoglie una corda che traccia, evocandolo, il camaleonte. Questa incisione dunque ci prefigura il cambiamento, l’evoluzione, l’adattamento, tutte declinazioni che rimandano alla scansione temporale, senza la quale nulla di tutto questo potrebbe accadere. Nel piano cartesiano emerge uno sfondo ineludibile come rilievo insondabile di un intreccio delle vicende umane. Il rimando non può non essere di ancor più ampio respiro, fino a coinvolgere l’intera esistenza, alla quale inevitabilmente pensiamo, osservando l’opera allegorico/evocativa di sapore esistenzialista. L’autrice parla sempre al fruitore dell’opera dandogli del tu, invitandolo a una colloquialità più intima. Ogni convenzione svanisce e l’arte meditata deve scuotere, indurre auspicabilmente una crisi che, etimologicamente (dal gr. Krisis: scelta), rimanda a un bivio. E noi che strada imbocchiamo? Quella consolatoria della convenzione, che magari ci fa dire che un’opera non ci piace solo perché non la capiamo, oppure quella che l’autrice suggerisce? Ovvero accettare lo sgomento come stimolo alla nostra evoluzione anche nel breve lasso di tempo in cui il nostro sguardo ha percorso la coda del camaleonte. Rimane un dubbio: la coda del camaleonte finisce in una
spirale, non va più avanti nell’asse cartesiano del quadro, come una cesura in una evoluzione illusoriamente senza fine. Ma per sciogliere il dubbio dovremmo chiederlo all’autrice. Un ultimo appunto mi pare necessario: quella che ho chiamato “geografia indecifrabile” non ha nulla di detrattivo nelle mie intenzioni, anzi, ne intravvedo le commistioni dell’umanità, del suo pensiero con le morali contraddittorie che trascina con sé, delle sue etnie, dei suoi conflitti, reali e ideali e tutto questo confluisce in un indistinto grigio come somma di questo “caos” che è ben rappresentato nello sfondo dell’opera suddiviso in quattro riquadri come diverse ere accomunate da un’apparente tumultuosità in un grigio disomogeneo, come fossero tanti colori non ben amalgamati, nati dalla stessa tumultuosità, che tuttavia conservano un “caro ignoto” come affascinante enigma. [Cinzio Gilioli]
Il tempo è un camaleonte – Corda su MDF – cm 71X33 – 2020
Testo di Arcangela Miceli dal foglio di mostra CLOCK – Showroom Arredare Designed Space, Terni – 2020
Caterina non dipinge, tesse le sue tele! Non l’ho mai vista all’opera ma la immagino mentre compie gesti antichi: raccoglie, assembla elementi, ritaglia con cura bordi e fili, pulisce, spiana, guarda le sue “tele” con tenerezza di madre e con autorevolezza di dea. La sua tela “Rolling” da oggi “buca la parete” del soggiorno al centro dell’arazzo di mia madre (tessitrice di seta e di telaio) ed è un dinamico vortice che ti trascina all’infinito, e che dall’infinito porta luce, pace, futuro. “Mancava” ha detto Caterina visibilmente commossa, mentre facevo le prove per trovare l’altezza giusta al “mio” amatissimo Rolling.
La mostra (allestita con gusto, armonia, cura) si “svolge” come il percorso di un viaggiatore che prende il largo ma è ben ancorato alla terra. I primi due lavori, di un avvolgente blu mare, sono vele quadrate, con annessa “mappa oceanica e computer di bordo”, capaci di portarci negli “oceani della tranquillità”. A destra, con una certa discrezione ma con prorompente dinamismo, anamorfiche bollicine riproducono trasparenze di fiume, di sabbie dorate. poi frammenti, fenditure di luce risucchiano l’ombra e ci fanno dimenticare l’oscurità
Sospese, due opere “che si danno le spalle” e ti invitano a “girare intorno”, a ruotare, a tornare indietro e trovare Seams (imbastiture) e sono cielo, mare, abisso, onda, Hole (ho tradotto vortice!), Seams (ho tradotto attaccature!) e tu sei come non mai navigante di te stesso.
E, dopo una emozionante croce di Sant Andrea, con i punti cardinali che evocano fasci infiniti di radiazione luminosa, calda che dalla terra porta direttamente negli inesplorati spazi dell’essere, si incontra la grande spirale (io la chiamo così, dopo essermi “accaparrata” la piccola spirale, che accompagna le mie piccole evoluzioni quotidiane, e il ritiro nelle mie ctonie tane del passato). Lei lo ha chiamato L’inizio e a me, con una prepotente suggestione, mi si è dispiegata la frase, “ Au commencement c ’est la beauté”, a commento di uno straordinario balletto di Maurice Bèjart, che partiva dallo srotolamento di un tappeto in cui dentro si trovava una crisalide-ballerina, Ecco la grande spirale si “muove”, secondo un incessante ritmo di esplosione e di implosione, una sorta di Dna dell’universo, “danza” nella tela e srotola felicità, mistero, culla, principio, grembo della terra ed ellisse del cielo. .
Poi arriva la bussola che lei ha chiamato “Direction” (è curioso si dice così sia in inglese, che in francese che in spagnolo!) e anche per me è come se fosse una freccia, un orientamento che ti invita ad immergerti nell’azzurro, non senza essere passati da due segnali, criptici, semplici, immediati, (Caterina li ha intitolati “Passaggi”) che sono comunque tracce antiche, di una terra feconda, di una divinità madre che nel suo grembo antico nasconde l’azzurro e la luce, una azzurra luce che esplode nella sala attigua dove l’arcaicità è di casa e dove il passato e il futuro si congiungono nei misteriosi codici–di un asimmetrico rombo di luce che esce, nasce dalla tela e ti travolge.
Del Novantanove. Il numero 99 è un numero molto potente, composto dalla vibrazione raddoppiata e dall’energia del numero 9, che rappresenta, come ho tratto da varie fonti “esoteriche”, la forza interiore e la saggezza, la comunicazione, la leadership, l’esempio positivo, l’intuizione, l’umanitarismo, il risveglio spirituale e l’illuminazione spirituale, l’altruismo, il servizio agli altri, le Leggi spirituali universali, il lavoro di luce e lo scopo della vita divina e dei bellissimi segni/alfabeto (mi manca la foto ma ce l’ho ben presente il giorno che l’ho fotografato, Caterina lo aveva poi portato a Roma, il titolo di questo magico quadro è “Asemic” che non ha dunque un contenuto semantico specifico).
I segni/contrassegni, si rincorrono secondo un ordine preciso, in una chiara sequenza.frase [non si ripetono come i 99 quadratini o come le tessere rettangolari che ricordano, con emozione e commozione le paleolitiche pietre scheggiate, i percussori e chopper (Un ciottolo (chopper), generalmente di selce, viene scheggiato su una sola faccia da un altro ciottolo che funge da percussore, con un colpo perpendicolare alla superficie.
fonte Museo Apve (associazione pionieri e veterani eni) via Piana delle Orme – Roma)) I reperti sono stati donati al Museo da geologi che hanno lavorato con l’Agip Mineraria nei deserti del Nord Africa (Marocco, Algeria, Tunisia e Libia)]
ma parla all’interiorità con la forza di un “Codice dell’anima (Ho rubato il titolo a James Hillman! Psicologo analista junghiano, americano di nascita ma europeo di cultura).
Si diceva che, in questo azzurrissimo e accattivante quadro, i segni/lettera sono un vero e proprio alfabeto, come quello individuato dall’ archeologa Marija Gimbutas, nel suo 2° volume dedicato alla Civiltà della Dea (M.Giumbutas, Il mondo dell’antica Europa -Stampa Alternativa/Nuovi Equilibri, nel quale la filosofa –archeologa prefigura l’esistenza nel corso di 25.000 anni di civiltà matriarcali in Europa, l’ipotesi di come siano nate le prime forme di scrittura)
Lettere “pescate” dalla memoria ancestrale di questa “visionaria” eppur reale artista che si muove con disinvoltura tra passato e futuro in un’armonia di segni essenziali e di evocazioni poetiche.
Il nostro pellegrinaggio-viaggio si chiude (in realtà dilata gli orizzonti dell’esperienza e invita a ricominciare, a ripercorrere ancora spazi e tempi “fissati”, trapuntati nelle tele/carte/arazzi impunturati, in simboliche geometrie sacre) con la parete istoriata da trame, linee, reti, spirali mozzate, Landscape.(e un moto del cuore traduce paesaggio – che è ciò che tu vedi, con gli occhi della mente e del cuore, non panorama, la vista che appare agli occhi di tutti) E’ la mia parete, quella che accoglie Rolling, e che nell’insieme ho intitolato “paesaggi interiori” (È una bella e suggestiva definizione della filosofa spagnola Maria Zambrano, da me particolarmente amata)
Il giorno dopo, mentre visito, rapita, la mostra di Maria Lai al MAXXI di Roma (Maria Lai Tenendo per mano il sole 2020), penso alle tele di Caterina e al mio affetto, alla mia stima e alla mia gioia e mi sento parte in causa, condividendo nell’interiorità la frase della Lai “L’arte è il gioco degli adulti”. [Arcangela Miceli]
Testo di Lorenzo Rubini mostra personale ORDINE IMPERFETTO
Galleria Forzani – Terni 2019
In questi anni l’artista intraprende un percorso introspettivo profondo che le è utile a raggiungere quell’esperienza e maturità artistica presente nella poetica e nella tecnica dei suoi ultimi cicli.
La svolta importante si nota nella serie Pre-Historic del 2017, produzione decisiva per la carriera dell’artista, le opere che ne fanno parte attingono da quelle passate ma creano un modus operandi molto più personale creando una connessione tra quanto creato prima e quanto arriverà negli anni successivi. Pre-historic è un rimando a segni di civiltà passate ma detiene in se una sguardo estremamente contemporaneo sulla questione eternamente aperta del linguaggio e della sua interpretazione. Le tracce di questa serie mescolano questioni legate alla comunicazione ad altre puramente estetiche e segniche, il senso di queste viene reso meno essenziale dalla resa formale dell’opera e dagli strati della materia, divengono parte integrante della storia, essenziali nella loro illeggibilità.
Diagram (2017-2018) è la fase successiva alla precedente serie, quel passaggio che l’artista compie inevitabilmente per arrivare all’ultima produzione, la stratificazione della materia si fa più fitta mentre appare agli occhi una struttura più lineare dei lavori precedenti, un rinvio ad uno schema che però non ordina, forse una ricerca più programmata e un desiderio di esercizio sul tempo impiegato a realizzare l’opera stessa, elemento questo essenziale per la lettura degli ultimi lavori. Nella serie Mosaic, realizzata a partire dalla fine del 2018, gli essenziali segni accostati tra loro non sono più letti come misteriosa comunicazione ma come tasselli temporali. I lavori divengono descrizione di un fluire incessabile, la stratificazione non è più soltanto accennata e flebile ma quasi forzata, spinta o estrapolata e solo la luce può facilitarne la lettura totale. [Lorenzo Rubini, 2019]
Caterina Ciuffetelli torna alla Galleria Forzani con la sua ultima personale “Ordine Imperfetto”; una selezione accurata di lavori che dal 2017 inquadrano bene la sua ultima produzione.
C’è una questione eternamente aperta che infesta le menti di scienziati e artisti allo stesso modo, imperscrutabile quanto ammaliante risulta logorante per costituzione, il tempo. Acquistando quasi valore economico il tempo si spende ma mai riesce ad essere valutato o barattato in nessun modo. Questo ci spinge a cercare una merce di scambio talmente preziosa da poter arrivare ad aggiudicarsi una sua porzione in più, un momento. L’opera d’arte è una delle rare materialità che può avvicinarsi a questo bisogno, l’opera seppur possa consumarsi tenendoci eternamente legati a quel dubbio sul motivo della creazione, o meglio ancora l’idea creativa che la muove, avvicina l’artista al suddetto momento.
Caterina Ciuffetelli partecipa alla ricerca a modo suo, nel suo studio detiene il segreto dei segni che ricalca ad uno ad uno e che divengono poi le cellule del lavoro concluso. Il tempo necessario alla completa esecuzione è eternamente vario, ogni frottage è realizzato senza fretta ma necessariamente.
I tre cicli presentati in mostra sono ricordi di momenti diversi. Prehistoric è un rimando a segni di civiltà passate ma detiene in se uno sguardo estremamente contemporaneo sulla questione eternamente aperta del linguaggio e della sua interpretazione. Le tracce di questa serie mescolano questioni legate alla comunicazione ad altre puramente estetiche e segniche, il senso di queste viene reso meno essenziale dalla resa formale dell’opera e dagli strati della materia, divengono parte integrante della storia, essenziali nella loro illeggibilità. E questi segni da molti decantati come linguaggi perduti sono forse i segni di un “tempo” perduto? La sabbia utilizzata da Caterina è sabbia di clessidra, in “The Hole 2” ritroviamo proprio quel passaggio attraverso il quale la sabbia scorre.
Durante uno dei nostri incontri finimmo inesorabilmente per parlare dei graffiti di Lascaux, seppur non in quanto questi siano stati fonte di ispirazione dei suoi lavori ma per quanto possano essere stati uno stimolo alla stratificazione temporale e sintomo delle vicende che hanno portato alla concezione delle ultime opere.
Leggiamo in Diagram quel passaggio che l’artista compie inevitabilmente per arrivare all’ultima produzione, la stratificazione della materia si fa più fitta mentre appare agli occhi una struttura più lineare dei lavori precedenti, un rinvio ad uno schema che però non ordina, forse una ricerca più programmata e un desiderio di esercizio sul tempo impiegato a realizzare l’opera stessa, elemento questo essenziale per la lettura della serie Mosaic, nella quale gli essenziali segni accostati tra loro non sono più letti come misteriosa comunicazione ma come tasselli temporali. I lavori divengono descrizione di un fluire incessabile, la stratificazione non è più soltanto accennata e flebile ma quasi forzata, spinta o estrapolata che solo la luce può facilitarne la lettura totale.
Caterina lascia la sua impronta utilizzando segni che sono estremamente personali, suoi e di nessun’altro. Ci manifesta la sua presenza, forse ribadisce che non è importante sapere se questo tempo è già trascorso, e ci sta dimenticando, ma ci esorta a lasciare tracce di noi; dalle azioni più concrete alle testimonianze più effimere interveniamo noi stessi a modellare gli strati temporali e l’opera d’arte è spesso lasciare un residuo, è ambire al Tempo totale tramite l’istante, è chiedere l’immortalità. [Lorenzo Rubini,]
“Il tempo e il suo Ordine imperfetto” di Alessio Crisantemi su Exibart ORDINE IMPERFETTO – Galleria Forzani di Terni, 2019
Due anni di lavoro, scanditi da tre diversi cicli artistici ed espressivi. È questo l’ ”Ordine imperfetto” di Caterina Ciuffetelli, proposto dalla Galleria Forzani di Terni, che dopo il successo della mostra omaggio al francese Pierre Soulages, messa in scena in occasione del Festival GemellArte, torna a fare il pieno di pubblico con la personale di un’artista locale, suddivisa in tre momenti espositivi, in ognuno dei quali il tempo gioca un ruolo fondamentale.
Nel primo ciclo, intitolato Prehistoric, vi è un esplicito rimando a segni archeologici, di civiltà passate ma con uno sguardo al contemporaneo. Il secondo, dal titolo Diagram, forse il più “intimo” per l’artista, c’è una ricerca e una risposta a un bisogno interiore di ordinare la realtà, sistematizzandola. Da qui, forse inevitabilmente, si arriva al terzo ciclo, Mosaic, composto da tessere ricavate da un lavoro su carta in frottage.
Il tempo, dunque, è il vero filo conduttore delle tre diverse espressioni artistiche. Dai segni preistorici che, interpretati come linguaggi perduti, portano a una riflessione sul tempo perduto, al richiamo più esplicito offerto dalla sabbia, usata dall’artista in opera come The Hole, in cui è evidente il richiamo alla clessidra, emblema dello scorrere del tempo.
Ma il tempo è anche in grado di dettare l’ordine delle cose. Com’è evidente in Diagram, in cui l’artista esegue una stratificazione della materia che si fa più fitta, proponendo una struttura più lineare dei lavori precedenti. In un rinvio a uno schema che però non ordina, «Forse una ricerca più programmata e un desiderio di esercizio sul tempo impiegato a realizzare l’opera stessa – spiega il curatore, Lorenzo Rubini – elemento questo essenziale per la lettura della serie Mosaic, nella quale i segni accostati tra loro non sono più letti come misteriosa comunicazione ma come tasselli temporali. È qui che i lavori divengono descrizione di un fluire incessabile, la stratificazione non è più soltanto accennata e flebile ma quasi forzata, spinta o estrapolata che solo la luce può facilitarne la lettura totale». [Alessio Crisantemi]
Quadrante – frottage su carta su cellotex – cm 100×120 – 2019
LE STRATIGRAFIE IMMAGINIFICHE DI CATERINA CIUFFETELLI di Nicolò D’Alessandro 2017
Conoscevo la sua produzione più antica, attenta al segno e alla memoria di esso, conosco ora le ultime proposte. I diciannove lavori di piccolo formato, tra frottage, cere e monotipi, restituiscono la sua attenzione all’indagine che conduce da tempo. In un gioco di rimandi e di segni, vuole imporre nuovi significati e suggestioni evocanti il valore insopprimibile del segno inteso come traccia, come testimonianza. Riconosce il valore della materia controllata e ne fa un uso espressivo convincente attraverso la manipolazione con stratificazioni e interventi mirati. Mi pare di capire che dichiari un forte rapporto con la scrittura e soprattutto con il segno affidandogli molta parte delle sue intenzioni espressive. Con disinvoltura attraverso sapienti impronte stratigrafiche, Caterina Ciuffetelli dialoga con l’osservatore in un percorso narrativo tra pittura e suggestione letteraria. Sistematiche contaminazioni di generi e linguaggi diversi, (frottage, monotipi) conducono ad esiti formali interessanti, articolano un viaggio per inediti percorsi.
L’artista per sovrapposizioni monocromatiche e velature intercetta ed evidenzia, strato sopra strato, griglia dopo griglia, il flusso continuo delle trasformazioni e dei rimandi segnici. Supportati questi ultimi anche da strumenti abrasivi e lacerazioni che ci conducono alla cultura del particolare e del frammento rivelatore di luoghi immaginifici e di spazi mai conosciuti. Raccontano di oblii e di suggestive figurazioni dimenticate. Erratiche superfici generano metafore di contaminazioni di senso e di linguaggi; diventano allegorie di idee estranee alla pittura in sé, inquietanti segnali urbani, frammenti di civiltà perdute, racconti di particolari trascurati della realtà urbana. Quasi volesse, l’artista, sollecitare il senso di un passato da recuperare.
Queste nuove esperienze, sul tracciato ideativo che si dipana ed evolve dalle opere precedenti, riportano Caterina Ciuffetelli all’interno di una pittura di pensiero colto e consapevole. La tavolozza dell’artista concettuale è sostenuta da neri, bianchi e ocra che diventano non colori, suggerimenti di colore, che agiscono negli ambiti di una non pittura, di una dichiarata condivisione delle precarie certezze della nostra confusa e problematica stagione umana.
Per quegli incomprensibili processi del pensiero che portano ad associazioni e rimandi ho avvertito nella sua ricerca, e non può essere solo un’impressione, una certa tragicità di fondo nell’espressione materica da lei giocata con raffinata calibratura nelle impronte del dolore sulla superfice. Appaiono come ferite della terra che metaforicamente rimandano alle impronte del dolore su un volto sofferente.
I titoli dei lavori che non sono casuali ma rivelatori di un progetto ben chiaro all’artista, disvelano intenzioni e interessi ben definibili. The hole, (il buco) presuppone un interno e un dopo e suggerisce contenuti ignorati legati all’attesa e al desiderio. Mentre la forma conchiusa dell’opera Random, (casuale) tra l’accidentale e il non voluto, tiene in debito conto l’equilibrio formale della struttura. Con Primordial (primordiale) e in Preistoric (preistorico), il richiamo al passato, affidato a probabili graffiti nelle opere su carta danno la misura dell’interesse dell’artista per il valore che si può attribuire al segno come traccia di un trascorso storico e se a questi si aggiunge One by one (uno per uno) che rinvia alla narrazione di un passato non specificato ma definitivo, l’intenzione appare chiara. Landscape (paesaggio) credo voglia affrontare tra casualità ed invenzione, tra graffi, segni e lacerazioni, il tema e l’analisi della geografia umana percepita con intenti simbolici e culturali in uno spazio descrivibile dalla forma rettangolare conchiusa in un territorio essiccato ed arido. L’altra opera concettuale Diagram (diagramma), convenzionale rappresentazione di una struttura in fase di sviluppo, si esplicita e completa con Double question, one answer (doppia questione, una risposta) come adeguata riflessione attorno ad un argomento da esaminare e risolvere affidandolo ad una unica soluzione.
Appaia evidente, se non scontato, che le suggestioni e gli spunti emotivi, e la forza evocativa che questi lavori mi offrono, potrebbero costituire per un critico militante, io non lo sono, una ulteriore lettura di correlazioni e rimandi culturali da approfondire.
Per non apparire, agli occhi di Caterina Ciuffetelli, un “critico” acritico mi avvalgo degli apparentamenti di altri artisti che certamente fanno parte del bagaglio culturale dell’artista la quale li tiene in debito conto. Mi convinco che l’artista, poiché l’arte nasce dall’arte e dalla sua dialettica, come opportunamente enunciava Niki de Saint Phalle, abbraccia e comprenda altre esperienze storicamente verificate come quelle di un materico Antoni Tàpies dai densi impasti attraversati da impronte, crepe e rugosità che vogliono non riprodurre pittoricamente la realtà, ma la realtà stessa. Mi riferisco anche alle geometrie conchiuse di un Mark Rothko sostenute da componenti emotive, ed ancora al rapporto dialogico tra l’opera e la materia delle esperienze informali di Wols, Michaux, Fautrier, Dubuffet, sino a Celiberti. Non escludendo Alberto Burri che ha indagato sulla qualità espressiva della materia usurata.
Esperienze fondanti di artisti che ci hanno preceduti credo costituiscano l’ossatura e il riferimento necessario della sua interessante ricerca sostenuta da sempre da velature e sovrapposizioni nelle composizioni rigorosamente simmetriche basate sugli archetipi, quadrato e cerchio, come forme conchiuse e definitive. [Nicolò D’Alessandro]
Testo di Marco Testa mostra personale ABSTRACT RestaurArte – San Gemini (Tr) 2007
Caterina Ciuffetelli (L’Aquila) ha frequentato in Umbria, dove vive e lavora, lo studio dello scultore Umbro Battaglini, scomparso recentemente.
Un vero e proprio work in progress caratterizza l’opera della Ciuffetelli, attraverso cui il segno – piccolo o grande, curvilineo, spezzato, scavato o appena graffiato a rilievo, comunque restituito mutevole dalla luce – diventa elemento caratterizzante del suo modo di rappresentare se stessa e il mondo in forme astratte. Il segno, che s’impone sulla materia dello sfondo e che diviene esso stesso materia, dà forma ad un linguaggio che sembra maturare da una ricerca, quasi archeologica, di essenze residuali. Il segno, inoltre, è tracciato su un supporto in cellotex, materiale ottenuto da segatura e colla e quindi riconducibile alla naturalità del legno, che è scelto per tornare alle radici del proprio iter pittorico e insieme all’origine dell’esistenza.
La forza di Caterina Ciuffetelli, tuttavia, sta nella sua peculiare capacità di infondere vita e vitalità alle forme: da geometriche, esse diventano segni calligrafici, che ora si stagliano, ora si conformano, variando nel tempo, nella luce, nei colori. Così le sue geometrie si fanno magmatiche, palpitano alla luce, acquistano spessore materico e, giocando con la luce in un rapporto costante tra lucido ed opaco, come in un ludico nascondino, si costituiscono come forza vitale, dominata da squisita sensibilità coloristica. Nella serie Langage (2007), la luminescenza del tratto diviene humus, essenziale per avvicinarsi ad un mondo fisico ed animale che lascia le sue tracce perché rimangano nel tempo, benché sembra debbano dissolversi rapidamente.
I segni serpeggiano su spiagge umide, memori di un nostro passaggio. La forma diviene sempre più materia; gli stiacciati emergono senza invadere lo spazio circostante, che si ricopre di campiture di sabbie diverse, con tatto, con eleganza.
La mente solitaria, in un soffio di vento, è trasportata da navi immaginarie verso deserti sconosciuti. [Marco Testa]
“Inventa dunque nella tua lingua se puoi o vuoi
comprendere la mia”
Jacques Derrida
LINGUAGGIO E LANGAGE di Maria Caterina Guerra mostra personale Langage a cura di Indisciplinarte, Fat Gallery, Polo Museale Ex-Siri, Terni 2010
Il lavoro del traduttore, che opera la conversione da un linguaggio sconosciuto ad un linguaggio familiare, è una delle metafore più prossime del vivere di ogni uomo, poiché ogni uomo, inconsapevolmente, si trova a dar voce all’enigma della propria soggettività attraverso le forme definite ed universali della lingua ed avvertirà, a tratti, l’inadeguatezza delle parole che usa nel momento stesso in cui esse vogliono descrivere stati d’animo, o vogliono restituire le suggestioni emanate da un sogno o da un’opera d’arte. Qualcosa si “perde”, proprio laddove è più urgente il bisogno di chiarire e dominare un sentimento, e le parole evidenziano un’assenza, un’alienazione rispetto all’oggetto sconosciuto che anelano possedere. Paradossalmente, è proprio a partire da questa alienazione che si apre la frontiera della ricerca di noi stessi, perché riconoscendo lo scarto tra linguaggio dell’inconscio e linguaggio cosciente, riconosciamo che c’è un’istanza che ci precede e guida il nostro parlare. Con l’evento del lapsus o della dimenticanza, possiamo accorgerci che noi non parliamo, ma “siamo parlati” dalla nostra soggettività profonda, oltre le regole del discorso oggettivo. Le parole non svelano, ri-velano: non scoprono mai definitivamente il vero significato di ciò che le fa affiorare, anzi, finiscono sempre per tradirlo, eppure sono l’eco più importante del nostro essere. Sono un “velo” che si apre e si richiude continuamente sull’enigma che ognuno porta con sé, e solo chi non le considera come gabbie tramite cui archiviare ogni significato, tributa alle parole la loro sacralità primitiva.
Nelle opere della serie Langage di Caterina Ciuffetelli è proprio il senso essenziale della sacralità del linguaggio ad avanzare verso lo spettatore, con tutta l’immediatezza dell’impressione visiva. Non “sono” una lingua, ma evocano il luogo silenzioso che sta al margine di ogni linguaggio, oltre i significati attribuiti convenzionalmente alle parole e alle strutture sintattiche. Inutile, dunque, cercare una corrispondenza tra la successione calligrafica e lo svolgimento di un pensiero logico; inutile indagare su regole legittime di decodifica o traduzione: i Langage sono pura presenza di significante e si affacciano su quella dimensione limite del “non detto”, immanente rispetto ad ogni parola scritta o pronunciata, che riguarda l’inafferrabile contingenza del sentire, e che è allo stesso tempo al di là dell’orizzonte e al di qua della nostra pelle. Il segno della Ciuffetelli, infatti, non appare come depositato stabilmente sulla tela, ma sembra affiorare dal sottosuolo e sul punto di sprofondarvi nuovamente, in relazione ad una rete di forze causali su cui l’artista stende una sabbia opalescente per mantenerne il segreto.
Il carattere primitivo dei Langage, che va colto ben oltre la somiglianza visibile con le grafie di epoche remote, risiede nell’esistenza stessa del segno. Ciuffetelli mette in scena il gesto arcano di ogni uomo che sulla sabbia lascia delle tracce: libero da qualsiasi vincolo con la dialettica simbolica della lingua, egli non scrive qualcosa di definibile, ma insiste semplicemente sul proprio essere al mondo, hic et nunc, e sulla propria irripetibile identità.
In questo senso le opere Langage richiamano alla sacralità del linguaggio: non sono passibili di traduzione, perché estranei al sistema delle regole linguistiche, eppure, con la loro peculiare calligrafia, la schietta consistenza materica e la mutevole reattività alle vibrazioni luminose, affermano la singolarità psichica e carnale di chi li ha creati. Appartengono alla dimensione del non detto, ma sono tutt’altro che muti: rinunciano al limite della parola e offrono in dono un silenzio vivo entro cui si mostra il senso dell’indefinibile. [Maria Caterina Guerra]